In Bed With Valentina n°2 – Hayley Quentin

Oggi a letto con Valentina c’è una pittrice sorprendente, che ha conquistato il mio cuore con il suo lavoro eccezionale ed emozionante: Hayley Quentin, pittrice americana. Accomodatevi a letto – c’è spazio per tutti – e scoprite cosa ci siamo dette.

CLICK HERE TO SKIP TO THE ENGLISH VERSION

La prima cosa che mi ha colpito quando ho visto il tuo lavoro è che tutti i tuoi ritratti sono maschili. Non è una cosa molto comune: come mai hai deciso di ritrarre solo uomini?

Ho iniziato a dipingere ragazzi quando ero studentessa alla Otis College di Arte e Design, ma io ho sempre amato il corpo umano e ricordo che fin da piccola, non avendo tanti esempi culturali o artistici di donne che dipingevano uomini mi sono sentita sempre strana nel desiderio di volerlo fare. In qualche modo ho dovuto accettare che questo fosse il mio personale e poetico punto di vista sul mondo e ho preso confidenza con tutto il piacere che traevo dipingendo questi soggetti. Studiare Belle Arti mi ha chiarito le idee su come volevo che la mia arte fosse e mi ha dato gli strumenti tecnici, pittorici e persino linguistici per arrivare precisamente alla mio scopo. Semplicemente, amo guardare gli uomini, vedere la loro bellezza, ricreare il piacere di guardarli attraverso il piacere nel dipingerli, forse addirittura unire i due, e moltiplicarli ancora tramite il piacere che l’osservatore ha nel guardare i dipinti.

Le figure nei tuoi dipinti hanno infatti una forza che sembra comunicare con l’osservatore. Gli uomini ritratti li conosci già o sono estranei? Come scegli i tuoi modelli?

Solitamente sono persone che conosco, alcune meglio di altre. Quando conosci qualcuno, diversamente dall’assumere un modello, c’è una relazione, pur piccola. Il grado di conoscenza con il ragazzo influenza l’agio suo e il mio; quanto possa essere scomoda la posa – anche se a me piace che le pose siano un po’ scomode -. Comunque, crescendo ed evolvendomi in quanto artista potrei cambiare il mio approccio, nel tempo.

Che significato hanno i colori che scegli di utilizzare?

Uso tantissimi colori posti non convenzionalmente, sebbene siano tutti colori che esistono davvero nella pelle o nel corpo. Inoltre i colori di William Turner mi influenzano tantissimo: i suoi lavori sono pieni di rossi e blu (e pochi verdi) che risuonano in me profondamente. Molto del mio lavoro per selezionare il colore è arduo, perché il processo non va di pari passo con il linguaggio: uso i colori intuitivamente. C’è qualcosa che sento nel corpo che mi guida nella scelta del colore. Mentre dipingo scelgo per istinto, per impulso. Utilizzo il colore per porre l’attenzione e per sessualizzare parti del corpo. Il colore è interconnesso con il soggetto, con la scelta del modello. Uso i colori strategicamente, voluttuosamente, per sedurre l’osservatore e indurlo a soffermarsi su ogni pezzo.

Qual è il processo dall’ideazione alla creazione di un dipinto?
Il concepimento di un corpo di lavoro può venire da diverse fonti: un pensiero prima di dormire, una linea di un libro; vedere qualcosa che stimola un altro punto di vista che è già presente nella mia testa; non è solo una fonte. Una volta che ho un’idea, ci penso su, capita anche qualche annotazione, finché non si rafforza in qualcosa di più solido. Lavoro dalle fotografie ed è un processo importantissimo per me: faccio molte foto in ogni sessione di posa e poi passo molto tempo rimuginando sulle foto prima di iniziare a dipingere. Amo questa sorta di rimozione della vera persona: favorisce un senso di attesa che io voglio tradurre nel pezzo finale. Per il processo di pittura, inizia tutto quando stendo la tela sul pannello per sostenere il peso dei colori ad olio che utilizzo. Questo è un lavoro intenso ma fondamentale per raggiungere la superficie che voglio per dipingere .
Ogni dipinto inizia con un disegno base. Uso un pennello colorato di blu per disegnare ogni pezzo (anche se i materiali sono cambiati, negli anni); poi creo una pittura di base con il blu ultramarino per catturare i limiti del pezzo e una volta asciugato vado di colore locale. I primi tempi facevo una smaltatura tradizionale, poi sono passata alla tecnica “alla prima”, qualche volta applico entrambe: mi piace utilizzare due tecniche apparentemente opposte. Mentre lavoro mi piace “ascoltare” ogni parte e intervenire dove è necessario. Una volta che il dipinto mi dà la sensazione che voglio (che è una cosa d’istinto), cerco di non ritornarci più.
La bellezza e l’eleganza del tuo lavoro rappresentano un’alternativa al personaggio maschile, cioè una liberamente fuori dalla cosiddetta “mascolinità tossica”. La carica erotica dei corpi maschili nei tuoi dipinti è uguale a quelli femminili, ma è inusuale vedere gli uomini ritratti in questa maniera, come una nuova narrazione della bellezza umana. Questo punto di vista ti appartiene?
Assolutamente sì. Quando ero più piccola non vedevo rappresentazioni del desiderio femminile tanto spesso, sia nella cultura pop sia nella storia dell’arte. Pensavo fossi strana io nel voler dipingere gli uomini. Prima ho scritto che frequentare le Belle Arti mi ha permesso di accettare ciò che desideravo: i miei pezzi sono un’esplorazione di ciò che significa essere una donna non in quanto soggetto dell’opera, ma in quanto creatrice. Ciò significa che da un creatore differente vengono fuori visioni di uomini differenti.
Da quali artisti trai ispirazione?
Per fare una lunga ma breve lista: Elizabeth Peyton, William Turner, Jenny Saville, Marlene Dumas, Nicole Wittenberg, Daisy Patton, Doron Langberg, Kris Knight, Claire Tabouret, Cecily Brown, Mark Tansey, Paul Mpagi Sepuya, Jen Mann, Maja Ruznic, Anthony Cudahy, Kaye Donachie; be’ potrei andare avanti chilometri.
A Febbraio 2019 hai avuto la tua esposizione personale “Myth”, da Ro2 Art. Quale è stato il concept di questa esposizione?
Ho lavorato sull’idea che la pittura è un’elaborazione del mito della profondità, volevo creare un mondo contenuto di piacere e artificio, dipingere questa illusione attraverso i colori eccessivamente saturati, con una giustapposizione piatta e una pittura di realismo scrupoloso e con cambi di sottigliezza e applicazione del pennello. Presi da soli, ogni elemento o rappresentazione della serie potevano essere credibili, anche per un momento. Era importante porre insieme questi opposti in un modo equilibrato sul filo del rasoio pur restando contemporaneamente seducente e invitante.
L’arte è sempre stata la tua passione?
Sempre e inequivocabilmente sì. Ho sempre disegnato, fin da quando ho memoria. Amavo osservare le persone e i corpi e scoprire come le facce cambiavano in determinate angolazioni; come potevo vedere le vene sotto la pelle. Sono stata fortunata nell’aver ricevuto sostegno per la mia creatività e di aver potuto frequentare dei corsi d’arte, lezioni di disegno incluse.
Come scegli i titoli per i tuoi pezzi e qual è la relazione con ciò che vediamo?
Un titolo non è la sintesi del pezzo, ma può essere una finestra su delle informazioni a riguardo, un riferimento il quale può dare un altro velo di significato che il lavoro prende. Per esempio per la mia serie “Love Is A Wild Computer” consiste in dipinti immersi di rosa, rossi e di mani che si toccano, timidamente. La combinazione con le parole quasi ha senso, ma non del tutto: il senso d’amore si annulla davanti all’intrusione della fredda, goffa parola “computer”. I quadri di questa serie provocano un senso di attesa e desiderio, con i corpi maschili come vascelli. Sembra un insieme di cose strane, ma quando combinate significano più di una sintesi delle parti.
Attualmente sto lavorando a una nuova serie intitolata “Intrinsic, Wicked“. Questo insieme è scuro, di malumore, con blu profondi e arancioni acquosi. Le parole sono state estrapolate dal libro di Richard O. Prum “The Evolution of Beauty” riguardo la selezione sessuale (precedentemente ho letto “Descent Of Man” di Darwin). Sono veramente dentro questo tema della bellezza come importante passo dell’evoluzione che però è anche contemporaneamente arbitraria. I pezzi di questa serie sono piccoli, come delle gemme e la loro oscurità può essere definita come “wicked” (cattiva), sebbene il contesto della parola viene da una nozione riguardo la selezione sessuale nell’evoluzione.
Quali sono i progetti futuri progetti che puoi svelarci?
Sto lavorando per rilasciare una stampa firmata e limitata, quest’anno. Condividerò la data sul mio profilo instagram e sul sito.
Annunci

In Bed With Valentina n°2 – Hayley Quentin

Today In Bed With Valentina there’s an amazing painter who win my heart with her exquisite and moving works: Hayley Quentin. Just take a seat in bed – there’s room for everyone – and look at what we talked about.

ENGLISH VERSION

What struck me when I first saw your work is the fact that all your subjects are male. This is not very common; why do you choose to paint men?

I first started painting men while I was a student at Otis College of Art and Design, however I have always loved the human body, and have many memories being a young person drawing the figure. Without many cultural or artistic examples of women painting men I really felt strange when I was a young person that I wanted to paint men. In a way I had to accept that this was my own poetic view of the world and I had to become comfortable with how much I took pleasure in painting this subject. Studying Fine Arts gave me a clearer vision of what I wanted my art practice to be like, and gave me the technical, painterly and even linguistic tools to accurately convey my ideas. Simply, I like to look at men, see their beauty, recreate the pleasure of looking with the pleasure of painting, perhaps conflate the two, and then multiply this yet again when the viewer takes pleasure in looking at the paintings.

The figures in your paintings have an emotional force that seems to communicate with the viewer. Are your subjects men you already know, or strangers? How do you choose your models?

Generally, my subjects are people I know, some better than others. When you know someone, as opposed to hiring a model, there is a relationship there, however small. My degree of relationship with the person influences how comfortable he is, how comfortable I am, how awkward he will be when I pose him – however, I like the poses being a little awkward. However, as I grow and evolve as an artist over time, I may change my approach.

What is the significance of your color choices?
I use a lot of unconventional color placement in my figures, although really they’re all colors that are found in skin or in bodies. I’m also very influenced by the colors of JMW Turner. His work uses a lot of reds and blues (and very little green) that resonates with me deeply. Much of my color choice is difficult to articulate, because my process of choosing colors works without language; I use color intuitively. There is something that I sense within the body that helps guide my color choices. I choose instinctually, impulsively, as I paint. I use color to bring attention to and sexualize, parts of the body. The way I use color is so intertwined with my subject matter, with choosing to paint men. I use color very strategically, lushly, decadently, to entice my viewer, to have their eyes linger on each piece.
What is your process from conception to completion of the final work?
The conception of a body of work can come from many sources: a thought just before falling asleep, a line of text from a book, seeing something in the world that stimulates another point of reference that is already in my mind… There is no one source for me. Once I have an idea I ruminate over it, sometimes jotting a few words in a notebook, until it builds into something more solid. I work from photographs, and this is very important for my process. I take many photos from each modelling session, and then spend a long time ruminating over the photos before beginning a painting. I like this sense of removal from the real person. It fosters a sense of longing that I want to translate into the final pieces.
As for the painting process, it all begins when I stretch my canvases over panel to support the oil ground I use. This is a labor intensive process but very important to achieve the painting surface I want.
Each painting then starts with an underdrawing. I use a blue colored pencil to create the underdrawing for each piece (though the material and color has changed over the years). Next I create an underpainting in ultramarine blue to capture the values of the piece. I begin to use local color after the underpainting has fully dried. Over the years I have moved from traditional glazing to alla prima techniques – sometimes using both together. I enjoy utilizing seemingly opposite painterly approaches. As I’m working I really try to “listen” to each piece, and go where it needs to go. Once a painting is giving me the feeling I want (which is difficult to articulate, it is more of an instinct) I try not to work past that point.
The beauty and elegance of your work represents an alternative male character, one that is freely outside of so-called “toxic-masculinity”. The erotic depictions of the male bodies in your work is equal to the female ones. It’s unusual to see men represented this way, like a new narration of human beauty. Is this point of view important for you?
Definitely. When I was a young artist I didn’t see representations of female desire very often, whether in pop culture or art history. I thought I was strange for wanting to paint men. I mentioned before that attending art school allowed me to accept what I wanted to paint. My pieces are an exploration of what it means to be a woman and not be the subject, but to be the creator. And so from an unconventional creator comes a different kind of man depicted.
Which artists inspire you?
To make a long list very short: Elizabeth Peyton, JMW Turner, Jenny Saville, Marlene Dumas, Nicole Wittenberg, Daisy Patton, Doron Langberg, Kris Knight, Claire Tabouret, Cecily Brown, Mark Tansey, Paul Mpagi Sepuya, Jen Mann, Maja Ruznic, Anthony Cudahy, Kaye Donachie, I mean I really could go on and on.
In February 2019, you had your solo exhibition “Myth” at Ro2 Art. What was the concept for this exhibition?
Working from the concept that painting is an elaborate Myth of depth, I wanted to create a self-contained world of pleasure and artifice. I wanted to depict this illusion through overly saturated colors, through flatness juxtaposed against painstaking realism, and through changes in thickness and application of the paint. Taken on their own, each element or representation in the series could be believable, if only for a moment. It was important to bring together these opposites in a way that is balanced on a knife-edge yet simultaneously enticing and inviting.
Has art always been your passion?
Always and unequivocally yes. I was always drawing, as young as I can remember. I loved looking at people and bodies and how faces looked at certain angles; how I could see the veins under skin. I was very lucky to have my creativity fostered and to be able to take art classes, including figure drawing, when I was young.
How do you choose the titles for your pieces and what is the relationship with what we see?
A title isn’t a summation of the piece, but it can be a window into an aspect, or a reference which will give another layer of meaning to the work Take, for example, my series titled “Love Is A Wild Computer”. This series consists of paintings bathed in pinks, reds, and blushing, touching hands. The combination of words in the title almost makes sense but not quite. The sense of love is immediately quashed by the intrusion of the clunky, cold word, “computer”. The paintings in this series elicit a sense of longing and desire, with the male body as the vessel. It is a combination of things that seem to be strange, but when combined mean more than the sum of their parts.
I’m currently working on a new series of work titled “Intrinsic, Wicked”. This body of work is dark, moody, with deep blues and watery oranges. The words were plucked from Richard O. Prum’s book “The Evolution of Beauty” about sexual selection (as originally explored in Darwin’s “Descent of Man”). I’m very drawn to the aspect of beauty as an important part of evolution, that is simultaneously entirely arbitrary. The pieces in this series are small and gemlike, and their darkness could be described as wicked, though the context of the word “wicked” comes from an archaic, reactionary response to the notion of sexual selection in evolution.
What are your future projects that you can share?
I’ve been working towards releasing a signed, limited edition print, to be released this year. I’ll share the release date when available on my Instagram and website.